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2010-1-14 星期四(Thursday) 晴
《十月围城》：这根稻草忒大了
早在《十月围城》公映之前，我就听到一些提前看过点映的朋友说，《十月围城》是今年贺岁片的一根救命稻草。言下之意就是，从《花木兰》开始，这些部挂着贺岁片的名头的影片，却一部赛着一部让人肉疼，至少到目前为止，唯独《十月围城》有着佳片的潜质。我当时对这部片子并没有太大的期望，甚至觉得，《十月围城》只是一部合格的影片罢了，由于贺岁档的其他影片实在是烂出了风格，以至于《十月围城》不显得优秀都难了。
但在看完影片之后，我却发现我实实在在低估了这部影片。如果说《十月围城》是今年贺岁档的“救命稻草”的话，那么这根稻草也忒大了，这简直不是一根稻草，几乎就是一根浮木了。
血性男儿再现荧幕
不可否认的是，女性观众对提高票房有着一定的作品。因此，制片方总是想方设法在电影里面塞入一些吸引女性观众的元素，哪怕这些元素和电影是多么的不和谐，这其中首当其冲的便是爱情元素。爱情不是坏东西，但很多电影偏偏就烂在爱情元素上。爱情元素似乎已经成了一些电影的填充棉花，使得影片看上去有着足够的片长，但去掉这些可有可无的哭哭啼啼儿女情长之后，电影则要比泄气的气球还要干瘪。今年的《花木兰》这类电影的典型。然而很遗憾的是，在影片中见缝插针地加入爱情元素这种看似最为恶俗的做法，却成了我们华语电影中最为安全的一种做法。导演口口声声喊着要打动观众，其实这只是他们对自己那苍白无力的电影的一种掩饰，他们只关心这些恶俗的对白和情节是否可以赚到足够的票房。
难道只有爱情才可以打动观众了么？《十月围城》给了我们一个否定的答案。
《十月围城》的泪点很多，但这都不是那些婆婆妈妈的儿女情长，而是铮铮男儿的血性再现。在今年贺岁片一片疲软的局面下，《十月围城》用一种纯净到近乎粗狂且毫无遮挡的方式向观众展示了那种久违的血性感动。这种热血的阳刚之气，终于给2009年的贺岁档打入了一阵强心剂。
群相电影完美再现
《十月围城》是一部群相电影，影片几乎是和《七武士》、《十一罗汉》这种经典群相电影所惯有的故事结构。
影片分为两个部分，第一部分就是让所有的角色为了一个目的而召集起来，如《七武士》中保护村庄，如《十一罗汉》中偷盗赌场。这其中，为了表现每个角色的性格和特长，影片都给每个角色一定的篇幅进行专门介绍，这简单说来，就是一个个的“挑人到说服”的过程重复再重复。这些过程可以是并行式的，也可以是线性式的，《十月围城》采用的是后者，挑人结束之时，也是故事主线前奏结束之时。这一部分的剧情往往比较平静，所有的能量都在积蓄力量，为影片的后半部分而发力。观众在“漫长”的等待中也积累了一定的情绪，使得后半部分的高潮部分给人的感觉就是分分秒秒都是高潮。
有了群相电影的结构之后，便是需要出色的演员来塑造那一个个个性鲜明的形象。由于影片人物众多，分给每个演员的的戏份并不多，因此在短时间内将一个立体形象呈现在观众面前是演员所要面对的最大考验。在这一点上，《十月围城》可谓给观众交上了一份满意的答卷。除了王学圻等一般老戏骨的出色发挥之外，一些年轻演员（如谢霆锋）也在本片中奉献了他近几年最出色的表演，就连初次触电的李宇春和巴特尔这些非职业演员，也给人留下了极其深刻的印象。特别是李宇春，她的表现让一向对她有偏见的我，都因为本片对她印象改观不少。
传统武侠的换瓶再造
《十月围城》虽然说的是一个保护孙中山的故事，但骨子还是香港电影传统的武侠片，保护孙中山仅仅是个看起来比较时髦的外壳，拨开了，则会给港片迷一种似曾相识之感。
影片中一开始，就塑造了阎孝国这个传统意义上的反面角色，这个角色几乎拷贝计春华在港片中那的经典清廷走狗的造型。虽然胡军以及部分人并不认为阎孝国这个角色是个反面角色，但是实际上影片一开始，就坚决的将矛盾双方划清了阵营，以给人一种简单的正邪对立之感。这种方式可以使影片中的主要矛盾最激烈化和最纯粹化，而这同时也是香港武侠片常用的一种设计方式。
简单的正邪对立使得影片的冲突也更为激烈，这也让蕴含在许多港片中的一种挥之不去的情怀在《十月围城》中得到了淋漓尽致的展现。在往常港片中，无论是警匪片、黑帮片还是武侠片等类型片，“义气”一直是影片所推崇的。在这个崇敬关公的岛屿上，“义”字当天几乎已经成为了一种不可动摇的信念，这种信念也被潜移默化地融合到香港独特的电影文化中去。《十月围城》中保护孙中山的人很多，但没有几个人是为了所谓革命，那些被称为“炮灰”的角色并没有太过崇高的理想，他们或许只是为个承诺，或许只是报恩，甚至或许只是出于对主角的赞赏，而一个个义无反顾的投身到这场本和他们没有太大想干的斗争中去，而这一切，都是出于一个“义”字，而这同时也是香港武侠电影的精髓之一。《十月围城》如果抛开其历史背景来看，则就是一部纯粹的香港武侠。
在这样一部以历史会幌子的影片中闻到的是如此纯粹的港片味道，你可以说这是糟蹋了历史的厚重，当然也可以认为这种香港电影人在用另一种方式为香港电影留住了魂。
精彩难抹剧情硬伤
不可否认，《十月围城》的剧情相当的清晰明了，同时影片也有许多脍炙人口的对白，更是塑造了一个个让人难忘的角色。但这种种的优点依然难以掩饰这部影片在剧情上的硬伤。正是因为陈可辛将《十月围城》打造成了一部装着旧酒的新瓶子电影，使得影片中“保护孙中山”本身就成了一个假命题。既然是秘密会议，为何在孙中山到港之前要大肆宣传？孙中山到港为何不带够足够的保镖便肆无忌惮地在出现在大街上？英国政府为何能够容许清廷在光天化日之下进行所谓的“暗杀”？既然是秘密会议，为何行进路线以及会议地点被人摸得一清二楚？而事情明明已经“败露”，为何却依然一成不变的按照原计划进行？……如此种种无法禁得住推敲的漏洞，都是为了影片后半段那充满武侠味的打戏而设置。《十月围城》的局部剧情很精彩，但遗憾的是，凑起来之后就像是一个漏洞百出的谎言，这让这部影片虽然精彩，但离经典则还很远。不过不管如何，《十月围城》还是远远超出了我的预期——这部影片绝不是稻草，而是一根浮木。
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| 陈赖汉 发表于 2010-01-14 12:22 | |
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2009-12-16 星期三(Wednesday) 晴
《刺陵》：不可较真的偶像片
同同期上映的几部贺岁片相比，《刺陵》可谓是一部架子较低的影片，它不像《花木兰》有个所谓“史诗”的背景，也不像《风云2》那样有个名牌漫画陪着吆喝。算起来，就影片的内容而言，就《三枪拍案惊奇》看起来和《刺陵》一样有点“没心没肺”之感，但是前者毕竟还是改编自科恩兄弟的名作，而且还有一个奥运会导演响当当的名头。虽然《刺陵》的导演朱延平立志要当个台湾的王晶，但事实上，就算把他的名字印成粗大黑体放在报纸头版，也没几个人会知道他是谁，相反影片里的两个主演看起来比导演更大牌。但尽管如此，周杰伦和林志玲在大家眼里，还是属于业余演员一类，周董虽有几部作品而且还当过导演，但他的东西基本上还是只是粉丝买账，是属于那种还没上镜头，就会有一群人憋着劲等着骂他的主，至于林志玲，自从开始拍《赤壁》，大家对她的质疑就从来没停止过。如果说周杰伦只能算个业余演员的，那林志玲就基本可以被人打到群众演员一列了，这样两个人凑在一块，就基本上谈不上什么票房号召力。纵然导演朱延平在接受采访时表示他希望拍一部30岁到60岁都可以看的片子，但实际上，这部影片的主要目标群体就是这两个主演的爱慕者。如果说《花木兰》中的历史、《风云2》的......
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陈赖汉 发表于 2009-12-16 16:01 |  |
分类:影评（正式） | 评论: 0 | 浏览:25 |
2009-9-18 星期五(Friday) 晴
《建国大业》：主旋律的甲子年
文/陈赖汉
一个甲子年对于中国来说是件大事。因此在甲子年，总有许多事情要值得纪念，也有许多事情要在这个特殊的年份做出改变。新中国成立60周年，迎来了主旋律影片的一次井喷，同时也迎来了主旋律影片一次从所未有的“转型”。《建国大业》究竟是不是最优秀的主旋律姑且不论，但该片这次在新中国的第一个甲子年的亮相，都注定会在中国的主旋律影片史上抹下浓厚的一笔。
在《建国大业》公映之前，中国的主旋律影片曾经进入了一段真空期，这种真空期并不是指创作上的真空期（事实上每年都有不少的主旋律影片拍摄出来，只是大部分我们无法看到罢了），而是市场上的真空期。自《英雄》彻底激活了中国电影市场后，中国的大荧幕开始越来越多的被准娱乐片所占据，同时在集体包场电影越来越成为一代人的回忆之后，日益刻板教条的主旋律影片也逐渐失去了往日的辉煌，在这波市场考验面前，主旋律影片可以说溃不成军，这几乎也是新中国成立以来主旋律影片的第一次集体失宠，主旋律影片甚至一度成了中国电影界中的“陌生人”。
我们如今可以找出很多理由来指责这次主旋律影片的失宠，比如说教，比如主角高大全，比如脸谱化等等。然而就是这些我们闭着眼睛都能数落出来的毛病，却缔造了主旋律影片早期的辉煌。其实在新中国刚刚成立之时，正是我们现在所说的这些“缺点”受到了观众的欢迎。这自然和当时的娱乐文化生活匮乏有关，但却也不否认这些“缺点”迎合正是当时百姓的需求。同时，那时中国的主旋律影片也是一直以小人物为主，简单来说，那个年代的主旋律影片离我们百姓更近。
在进入八十年代后，以各个领袖为主角的大历史主旋律影片便开始成为中国主旋律影片的主角。在好莱坞大片概念还不被观众熟悉的情况下，这些以表现大人物，讲述大历史，制作大场面的影片无疑就是当时的“大片”， 中国的主旋律影片进入了“大片”时代，同时也进入了歌颂领袖时代。由于拍摄领袖电影有着更多的限制，影片中“领袖”的一举一动甚至有着极其严格的规定，这固然会使影片中的领袖显得大气，却也影响了那些以小人物为主角的主旋律影片，使得那些影片也不禁跟着主旋律中的主流影片，拿起了腔调变得一板一眼，加上电影的拍摄手法依然沿用以前的方式，那些曾经受观众欢迎的拍摄手法却成了容易引起观众逆反心理的元素，在娱乐文化生活日益丰富的今天，主旋律影片的原地踏步其实就是一种倒退，一种曾经被观众所热爱的类型片却慢慢失去其几十年的群众基础。而更严重的是，主旋律影片反而不从其吸取教训，更是将自己置于一个高高的位置之上，使得离观众越来远。主旋律和市场化似乎成了一个不可调和的矛盾，而政治性和娱乐性在一部主旋律影片上的再度融合也似乎遥遥无期。
主旋律影片到了该放下姿态的时候了。
但那些表现小人物的影片放下来自然比较简单，而拍摄表现领袖、表现大历史事件的影片依然有着诸多的约束，在依然要保证领袖在影片中形象，以及立场问题坚决不动摇的前提下，如何找到一个和观众拉近距离的突破口，成了主旋律影片导演们的一个难题。
一部《长征》改变了这一切。
如果说《建国大业》在这个甲子之年终于找到了政治性和娱乐性的那个微妙的平衡点的话，那么《长征》则是对这个平衡点第一次大胆的探索。也就是从这部影片开始，从此影片中的领袖不再讲自己的家乡方言，而都开始讲一口流利的普通话，这个微妙的改变无形中拉近了电影和观众的距离。而同时在人物的塑造上也变得更加活跃和开放，领袖的姿势和动作也开始随性，人物也因此显得更加真实和人性化。《长征》的开拍，也让以唐国强、刘劲等新一批领袖扮演者走到了舞台的中央，一个不同于传统的主旋律影片的拍摄方式的探索也至此开始蹒跚学步。到了目前《建国大业》中，我们已经可以看到领袖坐姿不整地开会，甚至尅看到他们醉酒后的激动，看到毛主席半张着嘴巴打盹，甚至因为睡觉被打搅而对警卫员发脾气的镜头，而这些在传统的主旋律影片中，几乎见不到。从这细节上就可以感受到一个极大的进步。
之所以说这么多，只是想告诉大家一点，我们不应该仅仅关注《建国大业》有多少个明星参演。《建国大业》的成功上映，是中国主旋律影片在新中国甲子年的一次成功转型，但这次转型并不是一朝一夕一蹴而就的，而是一干电影人不断摸索的结果。《建国大业》也在主旋律影片的甲子年为主旋律影片立起了一个新的标杆，至此之后，我们的主旋律，甚至是像《建国大业》这样表现领袖以及大历史事件的主旋律影片，也可以拍得更加亲民的。因此，在主旋律影片终于开始放下身段去尝试接近观众之时，我们观众是否也该摘下有色眼镜，去看看主旋律影片为观众而做的改变。
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| 陈赖汉 发表于 2009-09-18 01:08 | |
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2009-9-18 星期五(Friday) 晴
《爱有来生》：再安静就更好了
文/陈赖汉
作为一部导演处女作，《爱有来生》的表现还是让人满意的。虽然影片中的煽情点还是没有太大的突破，但我还是给煽到了。作为一部爱情影片，《爱有来生》恰如其分的赚到的该赚的眼泪，纵然无法成为经典，也足以成为09年影片一抹沉寂的惊艳。
影像：纯爱风格打造
不管你是否喜欢这部影片，影片画面那让人惊艳的美丽是谁都无法否认的。导演俞飞鸿在90多分钟的影片中，几乎将如油画般画面塞满了每一寸胶片，如果影片的清晰度够高，几乎截取任何一帧的画面都可以成为一张优秀的摄影作品。无论是深夜的幽暗、阳光的明媚、草地的翠绿、以及光线透进室内的那种让人舒畅的昏黄，俞飞鸿几乎是在用画面在诠释小说中的一草一木，原著小说中那浓厚的文青之气几乎渗透到了影片中的每个画面，这让影片的画面美得几乎不大自然。不管俞飞鸿是否是有意无意，但这种缓慢的、美丽的却又略带沉闷和优雅的镜头语言在日本的纯爱系影片中极其常见。这使得影片中虽然有几处涉及到情欲之戏，但还是无法改变影片在最后悲剧高潮来临之前那淡淡的纯爱气质。可以说，在影像的打造上，《爱有来生》不仅在还原原著文青气质上交了一个让人满意的答卷，更是利用胶片的优势对其做了一定的补充，使得那些原本仅仅是回荡在读者脑海中的画面变得更加充实和迷人。
技法：略显平淡生硬
俞飞鸿对小说的诠释似乎走到了一种极端。如果说在画面上对小说文字的再现是一次升华的话，那么通过人物的对白来展开剧情则显得对影片剧情的掌控能力不够自信。
可以说，《爱有来生》几乎就是一部可以用耳朵听的影片。因为在阿明这个角色出现并开始讲述自己的故事之时，这个发生在五十年前的悲剧故事的重点几乎都通过阿明的口述来传达给观众的。这是种回荡在影片中的旁白，在某些时候甚至充当了影片画面解说的功能，这样的“事无巨细”在许多桥段几乎是种多余。比如在悲剧发生的那天，阿明走出寺庙后看到阿九没来，这本来仅需几个特写镜头以及几个表情便可以说明一切，但俞飞鸿仍然让段奕宏的声音在这个时候响起，而事实上，俞飞鸿已经在此时的画面中说明了一切。俞飞鸿似乎想把故事充满每个画面，生怕观众对剧情的了解有所偏差。影片用传统的手法来展开回忆的剧情，这本没有错，只是在这回忆的过程中“讲故事”的味道过浓，这种不留空白的做法恰恰看出了这个心导演在驾驭剧情上的不够自信，希望俞飞鸿在下一部作品中能过适当地给影片一点呼吸的空间。
表演：不温不火的真实
这里说的“不温不火”绝对不是贬义词。
内地一些实力派演员的表演功力没有人会怀疑，但是这些演员由于多是科班出身，且多经过话剧的锤炼，这样使虽然在演戏时有着一种极强入戏感，但却也有不少演员将话剧的腔调带入了影视剧，这固然会让角色由一定的张力，且戏剧感更强，却也使得角色不够真实。因此在《爱有来生》中，听到几乎通片那“不温不火”的对白，不禁给人一种舒畅的宁静，这也是为何段奕宏那不断的喋喋不休没有让人感到厌烦的原因。纵然这部影片的对白没有太多太强烈的爆发，却让人回味无穷。同对白一样，演员的表演在大部分时间也没有给人用力过度的感觉，这让观众不知不觉间完成的情绪积累，最后高潮戏到来之时所感受的触动也就更大，这也是该片为何具有煽情力的一个原因。
题材：内地类型片的突破
在印象中，这似乎是内地第一次上映这种类型的影片。在这之前，要么正儿八经的讲爱情故事，要么就是讲鬼怪故事。怄气是后者一直是内地电影不好掌控的，拍过了就是宣扬迷信，因此更多的只能从古典文学里去寻找开拍的理由，并美其名曰弘扬传统文化。但纵然如此，这类影片在内地仍然少之又少，至于人投胎转世再谈爱情这种题材，更是以前内地电影人不大敢想的，像《神话》这样讲述跨时空爱情的故事也要弄个长生不老药才能在内地上映。“人鬼情未了”这种在国外甚至香港已经不算新鲜的题材在内地仍然算是一个新鲜事物。《爱有来生》的上映最大的意义便在于此了，仅此这点，《爱有来生》注定将在今后的多年被人反复提起。
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| 陈赖汉 发表于 2009-09-18 01:03 | |
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2009-9-10 星期四(Thursday) 晴
批评《南京！南京！》何须上纲上线
文/陈赖汉
8月30日，华表奖开奖。24个奖项，有一半开出了双黄蛋或者是N黄蛋，其中N黄蛋更是多达8个。那多达10部的优秀影片，宛如不是在颁奖，而是在“分奖”。其他电影节的奖项是在提名中找获奖，我们的华表奖，是在提名中找落榜。各方利益博弈的结果也罢，官方象征性的安抚也罢，总之华表奖已经越来越无法把握官方奖项本就具备的权威性，而整日忙于在这种本已复杂的“竞争”中寻找所谓的平衡，其结果就是我们现在所看到的——大家一起平衡。
因此，华表奖的N黄蛋已经不是什么新闻。倘若不是其官方身份，公众甚至不会对这个奖项投以太大的关注，各个媒体每次对华表奖的报道更像一种例行公事一般，什么电影或是什么人会获奖往往已经不是媒体所关注的焦点，有着敏锐嗅觉的媒体总能找到比那密密麻麻的获奖名单更具新闻价值的东西。
因此，今年华表奖除了数数明星脑袋，比比礼服款式之后，似乎很少有人关注提名影片，反而一部影片的落选成为最大新闻，就是上半年在中国市场获得成功的影片《南京！南京！》。
今年是新中国成立60周年，相关部门对任何文化作品的审查都可谓是细之又细（这多少也影响到今年华表奖，这后文也会说到）。因此，在这个重大的日子里，决然不可能出现，也不允许出现立场上有问题的文化作品出现，而《南京》作为国庆献礼片之一（华表奖颁奖典礼播放了名单），必然是经过了常人难以想象的审查，才会最终在影院里和大家见面。这说明《南京》这部影片的立场并没有问题。因此我们看到了《南京》虽然没有参与华表奖的评选，但陆川还是以颁奖嘉宾的身份出席了颁奖晚会，而且还是为吴宇森开奖——一个华表奖今年刚刚设立的重要奖项。在今年这样一个特殊的年份，陆川以嘉宾身份出席一个几乎中国所有一线的影视剧人员都参与的电影颁奖晚会，这又说明了什么？要知道，汤唯在出演《色戒》之后被封杀，至今都无法出现在内地任何影视作品以及相关的公开活动中。
陆川出席华表奖是官方肯定陆川的一个信号。
从某种意义上来说，华表奖一直采用的是一种最为安全也最为保守的标准来选择影片，在这种标准之下，任何在技法上过于超前的影片都注定无法进入这个正在加速老迈的奖项之眼。而今年又恰逢新中国成立60周年，这必然会让本来就小心翼翼的华表奖变得更加谨慎，像《南京》这样一部本身就充满争议且技法过于超前的影片注定无法进入华表奖的颁奖台。这说白了仅仅是影片那过于凌厉的视角不符合华表奖的口味。电影局副局长张宏森对《南京》的落选已经给出了非常明确的答案：“正如社会上对这个片子存在争议一样，它在评委会也遇到了争议。我可以告诉你，《南京！南京！》是进入了评委会视线范围的，这里不存在立场的问题。”
有意思的是，华表公布两天之后，上海世博局召开新闻发布会，宣布聘任陆川导演担任2010年世博会主题电影总导演，为中国馆执导一部灵魂影片，一部史诗风格去展现中国30年城市化进程的影片，作为2010年世博会中国馆的核心展品。世博会世人瞩目，世博主题影片能够通过政治局的审批交托给陆川拍摄，让人嗅到了一种陆川将接棒中国核心权威导演的味道。若说张艺谋在雅典奥运会上将北京八分钟的宣传片拍摄得风生水起，那么陆川即将在世博会上展出的影片同样任重道远。此外，陆川还兼任世博会国家馆影像艺术总监，将中国馆恢宏大气的氛围渲染到底。
由于存在“过时”或是“陌生”的影片参赛，加上频出的双黄蛋和N黄蛋，早就使得华表奖的公信力已经大不如前。加上其获奖的的电影很多是娱乐性较差的主旋律影片，使得华表奖更是和普通百姓有着一定的距离。或者说，华表奖的评选标准仅仅是代表一种官方的口味，并不能完全代表普通百姓的喜好，所以华表奖早就和所谓的“民意”保持了一定的距离了。说起民意，曾深入调查过南京大屠杀的历史，并著有《南京大屠杀：被遗忘的二战浩劫》的张纯如生前常希望“南京大屠杀”能够被拍摄成为世界级的电影，这样，从日军侵略的历史中得出的教训才能不被人遗忘。她坚信电影传播的力量要远远大于书本。以此来纪念为了给1937年南京大屠杀死去的人们伸张真理和正义的那些顽强的斗士。如果说这都不能够代表民意，我想不出更能够代表大众的声音。事实上，观众已经产生了一定逆反心理，对华表奖的获奖影片往往有着一种潜意识的排斥感，甚至可以不客气的说，百姓已经不把华表奖太当一回事了。
所以，《南京》落选完全是一种争议无法平衡的牺牲品，同时也是华表奖在今年这个特殊年份选择更为安全也更为保守运作下做出的抉择。纵观今年华表奖，几乎是一次传统主旋律片的聚会，《超强台风》这部早在“民意”中批臭批烂的影片赫然在目，有着这样影片的榜单谈何“民意”？可是，蓄意批评者总能选择性忽视，独独从《南京》的落选上看到了华表奖身上的“民意”味道！
但也许是评委差强了官意，暗自揣测官方意图，以高度的自觉和所谓民族责任感，将南京列为政治不正确，这不难理解，拍马匹的总是比马更关心马怎么才舒服。但乌龙的是，不断滚动的片花中，南京南京任然被列为国庆献礼重点影片之列。
张宏森说：“电影评奖无论以什么方式进行，最终的目的都是鼓励。而且奖项也并非衡量电影价值的唯一指标，别忘了还有观众和历史这些指标的存在。”那么，《南京！南京》作为唯一的中国影片，入围多伦多电影节，圣塞巴斯蒂安电影节，釜山电影节，这是标准之一。《南京！南京》票房1.8亿，也是标准之一。
当然，话说到这，对于《南京》落选华表奖，我还是觉得有一点，中国的文化创作环境已经越来越宽松，形式也越来越多样化了，华表奖是否也该放下架子，关注一些真正受百姓受欢迎的电影，将华表奖办成一个鼓励创新，且真正贴近市场的电影节。而这一切，只要华表奖再宽容一点就可以了。
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| 陈赖汉 发表于 2009-09-10 15:26 | |
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2009-9-8 星期二(Tuesday) 晴
[电影众论]《天安门》：小情怀大感动
文/陈赖汉
我承认这是我第一次看一部主旋律影片看到落泪，而且不止一次。但看到上野离开战友在车上放声大哭的时候，我第一次没有控制住自己的情绪，当看到最后五人的照片一张张闪出的时候，眼睛再次湿润。说我矫情也罢，爱动感情也罢，反正我对这种男人间的情谊特没抵抗力。
主旋律和娱乐性的平衡
不得不承认的是，中国的主旋律影片已经拍得越来越好看了。中国电影的市场化虽然造就了大量的浮躁的影片，但就是在如此步履蹒跚的摸索中，给了中国主旋律影片不少启发。而今年，新中国成立60周年，似乎给了这些沉寂许久的主旋律影片一次激情绽放的机会，而从目前在电影院播放过的所有的国庆献礼片来看，其技巧之多样、题材之广泛、类型之丰富、角度之新颖都是创中国主旋律影片的一个个之最。可以说，目前的主旋律影片已经逐渐摆脱了上个世纪那种主人公高大全、说教等缺点，变得更加好看。虽然《天安门》的票房形式肯定不会太乐观，但其品质已经达到了可以让人进影院的标准，至少比《气喘吁吁》这种不知所云的影片更值得一看。中国导演在这国庆60年主旋律影片云涌之际，似乎隐隐约约地找到了弘扬主旋律和加强娱乐性之间那个微妙的平衡点。
天安门在某种意义上，几乎已经成了中国人的一个精神图腾，尽管在天安门广场上有着其他类似的符号性建筑。我们从下便是唱着“我爱北京天安门”长大的，从来没听过谁唱“我爱北京华表”、“我爱北京人民大会堂”之类的，可见天安门在国人心目中的份量。可是已经化为精神符号的一个建筑，在新中国成立之初的那段修葺历史却没多少人知道，那8个经常出现在我们幼稚画笔下的大灯笼却还有着这样一个鲜为人知的故事，而《天安门》这部影片最大的意义也在于此，至少它用了一种尽量通俗的方式让观众了解了一段历史，尽管电影展示的并非是历史的全部。
打破常规的角色设置
中国传统主旋律影片其实大多也是以表现小人物为主，但是此前那些被我们所熟知的主旋律影片中，无论小人物也罢，领袖人物也罢，总是用一种高大全的手法来塑造，影片中的主角往往完美到没有任何缺陷，这种完美甚至是以牺牲角色的个性来塑造。因此许多影片的主角都像一个模子刻出来的，在某种程度上，这些人物已经成为一种不可侵犯的符号。在那个时代里这样的电影自然有其不可抹灭的历史作用，然而今天主旋律影片如果再没有将主角回归到人这个层次上来的话，那无疑是失败的。目前让人欣喜的是，今年国庆献礼片在这方面都有了相当的进步，《天安门》也是其中的代表。
在影片中，潘粤明扮演的田震英一方面是个忠于职守的好战士，一方面他也有着年轻人一些不可回避的缺点，而他所带领的舞美队甚至存在着不同思想阶层的人，甚至有一个日本人（不知道真实历史中是否也有这样一个日本人）。影片甚至表现了这些躁动的年轻人之间引发的矛盾——这种如今看起来非常普通的设置，在要表现绝对团结完美的传统主旋律影片中式难以看到的。这也是这部影片看起来比较好看，人物个性也比较饱满的一个重要原因。而同时，由于潘粤明这个角色的设置，在某种程度上使得影片中喊口号的镜头不会引起观众太多的反感，在那几个战士在首张面前声嘶力竭的表态的时候，我感到的更多的是那种军队不服输的尊严，是一种完全发自肺腑的，充满力量的男人承诺，而影片中角色对毛泽东的崇拜，包括影片最后那满广场的欢呼，则是一种对历史的还原，和以前主旋律影片中的口号有着本质上的不同，若以此来批评《天安门》，只能说过于吹毛求疵了，甚至有点刻薄。
除了一干主角之外，影片的其他配角更是超出了传统主旋律的角色塑造范畴之外。虽然这些配角还是承载了较大的符号意义（包括那个日本人），但这些角色和用娱乐片模式打造的影片结合在一起后，便有了让人惊喜的主旋律影像，所谓的呆板、教条等毛病在这部影片已经感觉不到了。其实如果以商业片的标准来看，影片中所有矛盾的设置以及剧情的发展都没有太大的惊喜，不过对于一部有着比其他影片更多限制的主旋律影片来说，已经难能可贵了。
不过本片最大的问题也是处在角色的设置上。郭柯宇前后不到5分钟的戏份甚至连个配角都算不上，在这部爱情可以走开的影片中，她的角色完全没有存在的必要，孩童们天籁般的歌声的出现，也不一定要依赖这个没有几句台词的老师的脸部特写，这完全只需要一个背影的群众演员就能胜任的角色何须一个莫须有的“女主角”，更何况，郭柯宇现在连花瓶都算不上了。
历史影像的出色还原
在看影片的时候，我多次惊讶剧组到底是如何整出这样一个破败的《天安门》，无论从天安门内部拿破败的砖墙以及城门外那坑坑洼洼的广场，都细致的让人难以看出破绽。是否可以真实还原解放初的天安门，从某种意义上决定了这部影片的成败，在这点上，《天安门》交上了一份让观众满意的答卷。
但相对比“天安门”的精致，后面媒体一直宣传的毛泽东真人特效则显得相对粗糙了，在硕大的电影屏幕上，还是很容易看出破绽，而开国大典广场上人山人海的鸟瞰镜头则壮观有余，细节不足。
小情怀带来大感动
通俗易懂的剧情，没有刻板教条的说教，《天安门》将开国大典如此重大的历史事件通过几个小人物反应出来，做到了举重若轻之感，相信这几个舞美剧团的战士的小人物小情怀给观众带来的感动，甚至比那些气势磅礴的历史电影要来得强烈。如果说《开国大典》是以一种大史诗的情怀来展现那激动人心的一刻的话，那么《天安门》则是以微观入手，使观众也成为那个历史的见证者之一。
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| 陈赖汉 发表于 2009-09-08 09:39 | |
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2009-8-29 星期六(Saturday) 晴
《机器侠》：看刘镇伟折腾“人机恋”
文/陈赖汉
坦白说，在看《机器侠》之前我对这部影片并没有太大的期望。一则是预告片除了那机器僵尸之外，并没有什么镜头可以刺激我的兴奋点，二来就是刘镇伟的前作《情癫大圣》在我看来其水准仅比烂片好一点这让我从一开始就对《机器侠》这部看起来炒作意义大于其电影本身意义更大的影片不抱多大的信心。然而看完电影之后，我居然久久的沉浸在K1消失的那个镜头中。虽然这部影片在某些桥段我不喜欢，虽然这部影片仍然无法达到《大话西游》的水准，但却比《情癫大圣》好太多了。那个熟悉的刘镇伟又回来了！
科幻只是外衣
片方在上映之前，屡次强调这是一部科幻片。然而在看电影时才发现，这其实完全不是那一回事。虽然较刘镇伟以前的影片来说，《机器侠》在表现形式上已经有了很大的突破，然而骨子里还是一股浓浓的大话西游情结。《机器侠》正是刘镇伟的传统手法的再延续，机器人纵然变形个天花乱坠，也无法变成影片其爱情的真正主题。
虽然影片不再纠葛于“人妖恋”或者“妖妖恋”，但故事中的机器人K1其实就是替代了以前影片中妖的位置，他的所作所为，几乎就是“妖”的再现。在影片前半部分，如果不是偶尔出现的特效镜头，影片甚至看不出有多少科幻的味道。刘镇伟似乎在一开始就在努力淡化影片的科幻味道，而想向观众灌输这是个爱情片的观念。如果你对《大话西游》喜爱的话，那么《机器侠》中的爱情故事纵然没有前者那么经典，也远远达不到雷人的程度。而影片在淡化该片是科幻片的同时，也一直在淡化K1是机器人的身份，这让影片中K1和素梅之间的爱情故事看起来就如同两个普通男女般爱慕。可以说，从特效场面大规模出现前以及最后K1消失的那个桥段，刘镇伟保持的他对诠释爱情这个题材的一贯水准，但从整部片子来看，这个爱情故事和《大话西游》还是有着一定的差距，问题主要出现在中间表现特效的桥段中。
《大话西游》之所以能够在最后的高潮大战戏中依然感人，那是因为将孙悟空对紫霞感情的掩饰同动作戏交织一起，使最后的动作戏并没有脱离影片的主题。但在《机器侠》中，特效戏场面却主要是为“机器人自我意识”这个主题服务，和“人机恋”并没有太大的关系。本来这两个主题的交叉而让影片的内容更加饱满，但可惜的是吴京所饰演的K88和孙俪饰演的素梅之间并没有什么联系，他们各自所负责的剧情部分仅仅是依靠K1一个角色相连，而K1在大部分桥段里只是单纯为其中一个主题服务，这便造成影片的文戏为爱情服务，武戏对机器人意识服务这样一个“分裂”的局面。因此影片的文武部分看起来便显得没有成为一个整体，显得较散，不像大话西游那样，无论剧情如何天马行空，但终究是将所有的元素紧紧锁在一起。《机器侠》从各个方面都超出了《情癫大圣》，唯独在这点上反而不如后者贯彻的坚决。
如果想看中国版《变形金刚》的话，那么很遗憾，《机器侠》必然无法满足你的要求。但如果你想在影片中寻找熟悉的刘氏感动和欢笑，那么《机器侠》已经完全合格。我们可以借这部披着科幻外衣的爱情片批评刘镇伟没有进步毫无创意等等，但是不知道在批评完后我们是否想过，如果连刘镇伟都不再愿意这么嘻嘻哈哈地来感动你的话，那么还有谁能够在让你笑疼肚子之后还会一把鼻涕一把泪的哭呢？刘镇伟不是无厘头的鼻祖，但目前我们所能看到的近几年的无厘头喜剧影片身上，多多少少都有着刘镇伟的影子。然而和最为纯正的刘镇伟相比，那些影片总是少了那么一点火候，或许就是这种恰到好处的火候，就是刘镇伟的独家。
莫以差距论成败
当《机器侠》的官方以科幻片这个噱头作为宣传之时，便注定这部影片会在上映后遭到一系列意料中的批评。“科幻”这个作为吸引观众进影院的元素，不可避免的成为所有批评最容易刺中的软肋。
在世界的大部分类型片中，除了西部片以及日本武士片这两种因空间限制而无法制作的类型片之外，华语电影已经涉足了几乎所有的类型片，且几乎没有人会怀疑华语影片的导演都能拍出各种类片中的经典。但惟独对科幻片没有什么信心。
虽然有一些借科幻来探讨人性的小众科幻片出现（如《K星访客》），但这种并不怎么需要特效场面支撑的科幻片毕竟是科幻片中的小众，并不能代表主流科幻。主流科幻影片必须要有较强的娱乐性，且特效场面必须是其主要卖点之一。然而由于技术上的缺陷，使得这类华语影片一直难以出现这样的主流科幻片，更多的影片仅仅是和科幻打个擦边球，和真正的科幻还有很大的距离。虽然华语电影已经成为亚洲电影的主流力量，但在科幻影片这方面，日本电影已经远远将我们甩到了身后。
无论从时间上来看，还是从观众的渴求心理来看，华语影片都急需一部主流科幻片来证明自己。这也是《机器侠》为何上映前大打科幻牌的一个主要原因。可以说，《机器侠》算是按照主流标准打造的科幻影片，纵然科幻仅仅是包装影片中爱情元素的一个外衣。但表现“科幻”这个元素来看，《机器侠》依然有给人畏首畏尾的感觉，这第一步迈得还不算太远。虽然《机器侠》已经大大提升了影片中科幻元素的地位，但还是给人感觉和世界上出色的科幻片还有着很大的差距。，它依然还是无法做到抛开我们这个时代，来营造出一个架空现有历史的未来社会。缺乏构筑一个大世界的野心，这便是从《机器侠》和国外优秀主流科幻片的一个主要差距。以著名科幻小说家刘慈欣的《三体》来看，中国科幻作家们已经具备了这种大世界观，说明中国具备孕育我们想象中的那种科幻大片的土壤，而最后的问题就是看电影导演们如何去实现，可从《机器侠》来看，这样的影片离我们还是比较遥远。
所以，虽然《机器侠》已经按照主流标准打造，但很明显，它并不完美。这是我们必须承认的差距。不过我们却不能因为承认这差距的存在而否认这部影片。
好莱坞虽然用其强势的电影攻势，为我们制定了科幻影片的“潜标准”，以至于其他国家的科幻片往往也要以好莱坞模式，其最终的结果就是，不仅在特效上赶不上好莱坞，就连一些本该属于本土的特色也消失殆尽，以至于影片尽显“山寨”本色。日本人在科幻影片，尤其是科幻动画片的打造上很值得我们借鉴，如《日本锁国》、《苹果核战记》都是典型的日式科幻。华语电影在科幻电影的探索上已经跌跌撞撞的许多年，我们不敢说《机器侠》是一部很好的科幻影片，但至少这部影片在华语科幻影片的突破口找到了一个不错的方向，或许就是从这部电影开始，华语科幻影片会逐渐脱离好莱坞的审美情趣，成为一支有着独特味道科幻影片力量。
不要因为这部电影在特效上的缺陷而过多指责，还是那句话，我们承认差距，但我们也要正视这部电影所带来的改变。
模拟金属的第一步
在进入上个世纪90年代后，由于电脑特效的进步，香港电影也逐渐摆脱了土法特效的年代，而更多的开始依赖电脑特效。然而遗憾的是，香港电影也是此时逐步走入下坡期，在娱乐性逐渐缺失的情况下，电脑特效依然停留在“山寨”阶段，这便造出了如《蓝血人》这样的怪胎。拙劣的特效，让这部影片就算放在数量本就不多的华语科幻影片中也如“过眼云烟”一样，除了那场“极具创意”的床戏之外，几乎没有什么镜头给人深刻的印象，其水准甚至不如八十年代末拍摄的《卫斯理》。在应用电脑特效而在视觉上大获成功的《英雄》似乎给了华语电影一个视觉效果的发展方向，于是我们便看到在进入新世纪后，越来越成熟的特效却几乎成了古装片的专属，而由于过于沉迷对古装那种相对虚幻的大场面的塑造，使得我们自己的特效在细节上的表现力永远不够。和好莱坞那可以模拟出逼真的金属效果的特效水平相比，我们的水平如同小学生一般。《机器侠》的特效效果，可以说给我们提了一个大醒。
不可否认的是，《机器侠》在特效方面的尝试是值得我们肯定的。这是华语影片中第一部大胆模拟金属效果的影片。从影片机器僵尸变形的那个桥段来看，虽然仿真度还远远达不到《变形金刚》的程度，但在大荧幕上看到的效果已经算是颇为壮观，影片特效的问题是出在K1和K88对战的那个桥段。可以毫不客气的说，这段的特效水平依然停留在《情癫大圣》的阶段。虽然机器人的造型极具东方味道，而两个机器人在空中的对打也相当炫目，但这段特效就细节来说远远不如机器僵尸，很多镜头都有着一种游戏画面的感觉，这是影片中最大的一个瑕疵。而就是在这个桥段之前，公路上的变形追车戏在特效方面的表现却远远没有这段这么不堪，在这段里，虽然金属效果模拟的仍然不是很好，但就变形效果来说已经挺让我满意，毕竟这是一段剪辑进预告片的镜头。
《机器侠》让我们看到了华语电影在模拟真实性方面和好莱坞先进的技术还是有着相当的差距，而我们也不该过分的沉迷于我们荧幕上那些虚幻的宏大场面，对细节的完美还原才是特效公司真正要钻研的。但尝试总比不尝试就嚷嚷叫板好莱坞的行为要来得实在，作为第一部对金属大量模拟的电影，《机器侠》还是迈出了勇敢的一步。
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| 陈赖汉 发表于 2009-08-29 14:27 | |
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2009-8-29 星期六(Saturday) 晴
《海云台》给中国灾难片的一点启示
文/陈赖汉
韩国人拍出了一部像模像样的灾难片了。这让我很不是滋味，我一向不喜欢韩国影片，然而这次我却要为韩国人叫好。韩国虽然是用常规手段拍摄了一部常规的灾难片，然而遗憾的是，就是这种常规，我们似乎都做不到，那么树立在中国灾难片面前究竟有几道坎呢？
一、 技术问题
在中国越来越不缺乏大投资电影的情况下，拍摄一部灾难大片所需要的成本已经不再是问题，最大的问题是技术问题。
如果还像去年《超强台风》那样用粗糙的模型加上洗澡盆的水量的方法拍摄灾难大片的话，那还是趁早断绝了这个念头。在这个电影的特效已经开始追求尽量接近真实的情况下，还在用那种一看就特假的模型来拍灾难片，这本身就是对这种类型片的一种侮辱，同时也是对观众智商的侮辱。作为一部灾难大片，视觉效果是首要的问题，连这个问题都如此的敷衍塞责，不禁让人怀疑拍片时的诚意，不客气的说，拍《超强台风》这类灾难片，不如去拍奥特曼。
但很明显，中国现在似乎还不具备做灾难大片的技术。拍摄《后天》时，特效人员是在电脑上完全模拟出一个纽约市，然后专门设计出一段程式来计算水流在纽约街道横冲直撞时的状态，这其中的工作量以及复杂程度是无法想象的。所以中国要在短期内拍出灾难大片，特效部分只能外包，而外包则无疑要增加大量的成本，国外特效公司的收费是国内大多电影公司难以承受的，而灾难片最大的成本偏偏就是特效。如果成本达到好莱坞灾难片的成本，那么这部影片铁定要亏本，以为你别指望我们第一次做的灾难片能够进入北美市场，而国内的票房根本无力承担起那高额的制作费。
二、 意识问题
去年的《超强台风》闹出的“零死亡”笑话，其归根结底就是一个意识问题。那就是我们的宣传机构似乎时时刻刻在传达一个概念，那就是在我们政府以及英明领导的带领下，在巨大的灾难面前，是不会有重大的人员伤亡的。这是典型的一种自欺欺人的做法，似乎灾难所带来的危害完全取决于领导是否拍脑袋。而偏偏就是这种可笑的意识形态，被带入了我们国内所谓的第一部灾难大片中。这便让我们再影片中看到了如此大的台风居然没有造成一人伤亡的可笑剧情，这种几乎侮辱观众智商的剧情就这么堂而皇之地在荧幕上大摇大摆。
而这同时，又牵扯出一个是否可以对政府领导批评的问题。众所周知，在国外的灾难大片中（包括这次的《海云台》），总有一个决策者在关键时刻不信主角的警告而延误了百姓撤离的最佳时机。这种设置其实并没有多大的讽刺意味，只是为后来的灾难镜头的出现提供了一个合适的理由。因为如果人都安全疏散了，那么一座被天灾袭击，缺少尖叫的空城还有什么意义？但是偏偏这样的设置也很难在我们影片中出现，说小了是讽刺领导，说大了是攻击政府。那好吧，那就只能整出一个“超强市长”了。
三、 地点问题
这个简单说来就是影片中灾难发生地。由于荧幕上的灾难大多都是现实中未曾发生过的灾难。因此将这莫须有的灾难必须要找一个合适的地点落脚。所以在国外的灾难片中，如华盛顿、洛杉矶、纽约、伦敦、巴黎等这些著名城市就理所当然成为灾难片“攻击”的首要地点。因为这些地方标志性建筑多，而标志性建筑在灾难中的倒塌则更人激起观众对灾难片的认同感，《海云台》这次采用的也是这种准好莱坞方式。
可偏偏这种在灾难片中用烂的模式在中国也不行。这地点的设置在哪，哪的领导就不高兴了。中国人有极其敏感的爱国主义，老外大凡如果在影片里炸了一次中国著名建筑，那就是辱华了，虽然老外在影片里已经将自己的标志性简直炸得不爱炸了，可“爱国人士”就是视而不见，就说是你辱华了。其实呢，人家老外在影片里炸你这栋楼也是看的起你，谁叫你这栋楼出名呢？可这没用，我们的思维就这么僵化，管你出于什么目的，炸了就是辱华。同样的道理也会出现在灾难片中地点的选择上。虽然导演可能仅仅因为你这城市出名而选择你，并且你这城市有着足够多的标志性建筑可供摧毁，可那个城市就有一些人认为你是在侮辱这座城市，还侮辱这座城市的政府——我们的市政府怎么会败给那去去天灾呢？在影片让那些天灾发生在我们城市，就是对我们工作的怀疑和诽谤！说到这，便又回到了上面说的第二个问题了——意识问题。
好吧，这不能选，那不能选，只能莫须有的编造出一个城市（这在中国的电视剧中非常常见），然后弄些见都没见过的建筑——可这样的灾难片，还会有多少人看？
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| 陈赖汉 发表于 2009-08-29 14:15 | |
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2009-8-29 星期六(Saturday) 晴
《海云台》：韩国人让我有点嫉妒
文/陈赖汉
虽然我不喜欢韩国电影，但我这次不得不承认，在“第一部灾难大片”这个命题上，韩国人交出了一份比我们中国人要优秀得多的答卷。到目前为止，在灾难片这个类型片上，日韩两国已经将我们国家甩到了身后（新版《日本沉没》的视觉效果还是挺出色的）。世间能有多少次的“第一次”，而我们灾难片的“第一次”却被毁在了一群大言不惭的傻帽手上。看看某些人依然在《超强台风》中为那粗糙的“模型特效”沾沾自喜，我不禁要开始羡慕我一直鄙视的韩国人了。
虽然导演尹齐均一再表示这是一部有别于好莱坞灾难片的影片，但韩国人仍然几乎就是在踩着美国人灾难片的“脚印”一步一步走过来的，就如同一个已经设计成熟的模具摆在那，韩国人所作的就是将自己的东西压进去，压出一部韩国版的“好莱坞灾难片”。美国人已经很早就在灾难片片中开始抛弃俗套的个人英雄主义而加入了更多的亲情，韩国人所做的，只是将亲情线变得更多，而拍这方面的戏，一直是韩国人的强项。因此《海云台》的故事情节和人物设置。对于熟悉好莱坞灾难片的观众而言几乎一点都不陌生。曾经发生过的灾难、灾难前动物的骚动、灾难中屡试不爽的亲情牌、水漫城市的场面……这一切都能在《后天》中找到相似之处，《海云台》导演找来的似乎远不止只有《后天》的特效班底。
一部合格的灾难片至少要符合两大要求，一个就是符合当时技术的特效技术，另一个要有除了主角之外大量的龙套角色和群众演员在灾难中丧命。前者是为了满足观众的视觉刺激，但如果没有大量受害者的死亡，这种视觉刺激则完全成了没心没肺的快感，灾难片便会缺乏那应有的恐惧感。这便是后者的重要性，由此可见，国产国产灾难片《超强台风》几乎是给灾难片立了一个难得的难以逾越的反面标杆。
在电脑技术愈发成熟的今天，作为一部以大场面作为卖点的灾难片来说，视觉特效是决定影片成败的首演因素。场面以外的东西都是这部影片的附加值，做的好自然好，做的不好，如果有视觉效果撑撑场面，那些东西最多被批评称俗套，不会对影片的整体质量造成太大的影响。如果一部灾难片没有拿得出手特效场面的话，那灾难片本身就会成为一场“灾难”。《后天》的特效团队为本片制作的海啸效果甚至超过了《后天》中的那阵惊涛骇浪，从视觉效果上来看，《海云台》着实有大片的气势。
而影片另外一个震撼则来自于无数人在灾难中死亡。灾难最可怕之处就是生命在灾难面前显得不堪一击。只要是灾难片，就不能回避生命的死亡，否则，这本身就是一种极其不负责任的作法。因此无论是好莱坞的灾难片还是《海云台》，都用了大量的镜头来表现死亡，而这次《海云台》更是采用了好莱坞都少用的特写手法来表现灾难的残酷。比如《后天》虽然有大水淹没纽约的镜头，但对死亡的描述还仅仅是停留在大场面上，对个体死亡并没有描述，因为这多少会引起观众的不适。然而这次在《海云台》里，点击水面导致水里的人被电死的桥段，却让人难以忘记，也正是这组大量描写死亡细节的镜头让观众一下对之前灾难的“壮观感”变成了“恐惧感”，这样的一个特写显然对灾难片意义的提升有着极大的作用，使得灾难片不至于沦落为一个让观众纯粹在灾难中感受另类快感的电影。在我们的邻居已经开始不回避灾难中的死亡之时，我们的电影却仍然为了讴歌领导人的英明而拍出“零死亡”的灾难大片，这不能不说这是一种耻辱！
由于过多的主线以及影片走的是情感路线，使得影片前半部分略显拖沓，不如《后天》那样从影片一开始就毫无冷场，这让《海云台》显得不够过瘾，且影片前半部分走的仍然是韩国传统爱情片的路线，人物的设置依然是富家女和穷小孩、离婚男女这样韩剧中常用的设置，并没有太大的新意，且煽情戏有为煽情而煽情之嫌。加上特效场面和《后天》有所雷同，这让《海云台》从整体上来看并没有太大的特色。但从上面所说的两个标准来看，《海云台》已经完全合格，和好莱坞制作精良的灾难大片还是有一定的距离，但就亚洲来看，《海云台》已经是部一流的灾难片，韩国人用克隆好莱坞的方式为灾难片在亚洲立了一个标杆。而中国真正的灾难大片究竟在什么地方？不得不说，这次韩国人真的有点让我嫉妒了。
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| 陈赖汉 发表于 2009-08-29 14:09 | |
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2009-8-24 星期一(Monday) 晴
《白银帝国》：本该是三部曲承载的故事！
文/陈赖汉
先说个题外话。在《白银帝国》上映前一周，我想先去买原著《白银谷》熟悉下故事。然而这本2001年出版的小说却突然在这周变得洛阳纸贵，淘宝上连续问了三十多个卖家之后，才买到一本书脊有破损的。卖书给我的卖家说，这一周以来，很多人来问这本小说，短短几天就脱销了。这不能不说和《白银帝国》的上映有着一定的联系，在同样根据这本小说改编的《白银谷》在电视里播映之时，这书没有脱销。
《白银帝国》受关注的程度可想而知，虽然在那一大串电影相关人员的名单中，导演的名字最为陌生，但这也丝毫不影响这部影片和一些名导的作品一道拼杀暑期档。但这部安排在暑期档上映的古装影片，却并没有如其他同档期的华语影片那样娱乐轻松。《白银帝国》所呈现出的温雅气息和浮躁的暑期档似乎有点格格不入。而就作为古装片而言，《白银帝国》在近年来的华语影片中也算是另类，在我们熟悉了一群古代人在荧幕上飞檐走壁打打杀杀之后，《白银帝国》这样一部丝毫不以动作场面作为卖点的古装剧情片，确实给这已经有点浑浊的古装片中带来了一丝斯文之气。
传统史诗的题材回归
正如本文前面所说的那样，《白银帝国》的出现至少开始转变我们国人对史诗片的概念。自《英雄》出现之后，宏大的战争场面、血雨腥风的拼杀几乎已经成了史诗片的代名词。由于对场面以及特效的过分依赖，使得过来的史诗片往往空有史诗之名，却无史诗之实。而实际上，史诗片之所以成为史诗片，完全不在于场面的大小，而是看这部影片是否有庞大的故事构架，影片是否透露出一种一般影片所不具备的大历史观。这类影片往往通过几个角色命运的沉浮来表现一个时代甚至几个时代的风云变幻。这就是为何《甘地传》、《末代皇帝》这样几乎没有什么大场面的影片依然被称为史诗片的原因，甚至陈凯歌的《霸王别姬》也可以称为一部史诗片。然而可笑的是，由于市场的浮躁，“史诗片”在我们国内几乎已经成了大型武打片的代名词。
而《白银帝国》至少在故事的构架上完全符合了史诗片的要求。
影片通过山西票号“天成元”来反映清末晋商的沉浮来反映那个时代的兴衰，而“天成元”的故事也是间接通过康老三这个角色来反映。这就是一种典型的小人物反映大历史的构架。因此《白银帝国》有着近几年华语影片中少见的大历史观。这固然和小说原著有一定的关系，虽然要将小说压缩到两个小时的影片中不可避免的要做大量情节上取舍，但导演姚树华没有因此将原著大加改动而加入一些无谓的家族争斗之戏，而将故事重心放在对外抗争上，这点着实难能可贵。这让《白银帝国》一开始位子就站得较高，或者说，姚树华有了打造一部传统史诗的心。
缺乏厚重的女性情怀
《白银帝国》有着一个相当不错的开篇。“天成元”三年一次的清算那个桥段着实拍出了这个当时金融大鳄的气势，几米长的算盘所隐含的霸气这是多少千军万马都无法比拟的。在影片前十几分钟那不多的镜头里，清末饥民遍地的惨状，几个兄弟各异的性格跃然而出，相当出色。《白银帝国》有着一个极其惊艳的开头。
但是影片自郝蕾出现之后，导演姚树华作为一个女性导演在大历史题材上把握力度不当的缺陷便开始体现。虽然郝蕾所扮演的杜筠清出现之后，女性导演那难以压抑的柔情便让《白银帝国》在开篇时所营造出的厚重逐渐变轻。影片用了大量的篇幅来描写杜筠清和康太爷以及康老三之间的不论三角恋，导演姚树华似乎舍得删减任何戏，唯独不舍得删减这三角恋。不仅影片中有多次床戏，甚至康老三和杜筠清的哭别都占用了大量的片长。这让这本来就只有两个小时片长的影片在“天成元”在商战这些戏上不得不一笔带过，于是我们便觉得清末这个“金融大鳄”在影片空有“大鳄”的气势，却缺乏一定的“大鳄”手段。三角感情戏上的拖沓，能让观众兴奋的商战戏又显得分量不够，而戴掌柜和邱掌柜这两个仅次于康太爷和康老三的角色也因此没办法深入挖掘，尤其邱掌柜的突然叛变让观众有点不知所以。这让影片后半段逐渐变得平淡，有给人一种吞温水的感觉——三个字：不过瘾。
两地演员的华彩绽放
先说说郭富城。作为影片中的男一号，郭富城没有愧对自己两大影帝的身份。他在《白银帝国》中的表现让那些对表演还有一定怀疑的人可以闭上嘴了。在一堆戏骨之间，郭富城的表现一点没给人气短的感觉，这在近年来港台演员和老戏骨同台对戏时相当少见的。正是因为影片中内地演员那极度华彩的表演，让郭富城的表演更显出色。
其次是张铁林。在这之前，我是对“张阿玛”是有着一定的成见。但是看了《白银帝国》后，发现姜仍然是老的辣。我没有看过杜雨露扮演的康太爷，但本片中的康太爷确实显现出掌控一个“金融大鳄”的气势，当他压低声音说话都能让人感到一种隐隐的震慑力，这就是戏骨的气场。而影片中的大量配角更是让人让人感觉到这部影片在选角上的出色，无论影片中只有几句台词的角色（如押镖白胡子老大和康老二），还是几个掌柜的扮演者都让人感到一种看戏的畅快，甚至那一句台词没有的康老大，也能让人感到那种佛教信徒的温润。算来算去，唯一不够份量的就是郝蕾的。
郝蕾的表演不能说不好，他在影片中的几场哭戏还是极具水平。只是他在影片中让人惊艳的表演实在不多，或者说是对不上她女一号的地位。出演《白银帝国》可以看出郝蕾是个会知道去挑戏的演员，但很明显，《白银帝国》中杜筠清这个角色的设置，是郝蕾无论怎么努力，还是难免互落下个花瓶的批评。
两个小时远远不够
对于这样一部厚重的原著而言，两个小时的片长实在是太少太少。这么短的时间来掌控如此庞大的故事，无论对哪个导演都是捉襟见肘的。虽然我们不指望《白银帝国》能够像电视剧《白银谷》那样做到面面俱到，但如果有一个三部曲来尽量还原原著中的风风雨雨那是最好不过的事情。
说起来，在内地公映的华语电影鲜有真正的三部曲巨作。早前《无间道》算是一个，不过另外两部也只能算是续集，是第一集票房好才开始拍的，并不是一开始就计划三部曲的；《赤壁》也只敢分为上下集上映，而这在这几年已经算是一次极大的尝试，这还是《赤壁》中有大场面来撑腰的缘故。而《白银帝国》这样完全不靠场面而靠剧情的戏，不用说在国内，就是国外如极其牛B的好莱坞也不敢冒这个险，毕竟拍电影是为了赚钱的。就目前国内浮躁的电影市场和观众叶公好龙的心态，《白银帝国》想以三部曲的面貌呈现实在是难上加难，因此最低最低的底线就是能够在以后的DVD中看到一个不受片长限制的导演剪辑版，还以这部影片可能被剪掉的真正厚重。
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| 陈赖汉 发表于 2009-08-24 08:40 | |
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